Kunst braucht Freundinnen und Freunde, die es ermöglichen, Kunst für alle erlebbar zu machen. Werden Sie Mitglied im Verein der Deutschen Gesellschaft für christliche Kunst.
Jahresbeitrag: 50 Euro Fördernde Mitglieder: ab 60 Euro
Als Mitglied erhalten Sie Einladungen zu allen Ausstellungen und Veranstaltungen sowie eine kostenlose Jahresgabe. Ihre Mitgliedskarte gewährt Ihnen freien Eintritt in allen ADKV Institutionen deutschlandweit.
Weitere Auskünfte erteilt Ihnen gerne in der Geschäftsstelle in München Manuela Baur.
Über uns
DG Kunstraum und die Deutsche Gesellschaft für christliche Kunst
Der Kunstverein wurde 1893 als überregionale, gemeinnützige und unabhängige Kultureinrichtung gegründet. Wir stellen eine interdisziplinäre Werkstatt bereit, damit sich interessierte Menschen durch Bildende Kunst aber auch Musik, Wissenschaft, Architektur, Theologie oder Philosophie zu den Themen unserer Zeit austauschen können. Alle Aktivitäten des Vereins verbindet die Auseinandersetzung mit den existenziellen Fragen des Menschen. Im DG Kunstraum werden vier bis fünf Ausstellungen pro Jahr gezeigt, die von einem breiten Rahmenprogramm begleitet werden, darunter Künstler*innengespräche, Vortragsreihen, Konzerte und Lesungen. Künstler*innen werden auf vielfältige Weise vom Verein gefördert: Durch die Übernahme der Produktionskosten, Künstler*innenhonorare und Ausstellungspublikationen. Der Verein sucht bewusst den Kontakt zu anderen Institutionen für gemeinsame Veranstaltungen, Ausstellungskonzepte oder auch Wanderausstellungen.
Mit David Barbarino ist ein Künstler gegangen, der sich nie mit dem Gefälligen zufriedengab. Er suchte das Bild als Gegenüber, als Widerstand, als Ort der Konzentration. Malerei war für ihn keine Behauptung einer Oberfläche, sondern ein Ringen um Licht, Raum, Schönheit und Transzendenz.
2015 durfte ich David Barbarino mit seiner ersten Münchner Einzelausstellung‚Paramount‘ in der Deutschen Gesellschaft für christliche Kunst ausstellen. Gezeigt wurde damals ein Zyklus großformatiger silberfarbener Gemälde, deren Bildgeschehen sich erst im Zusammenspiel mit ihrer Umgebung entfaltete. Das einfallende Licht wurde bei ihm nicht lediglich dargestellt: Es wurde zum Mitspieler. Je nach Standort, Tageszeit und Blickwinkel veränderten sich Farbe, Tiefe und Erscheinung der Bilder. Sie waren nie abgeschlossen, sondern in Bewegung.
Barbarinos Weg war von Beginn an ein eigenständiger. Während seines Studiums am Central Saint Martins College in London entschied er sich für die Malerei, gerade als diese im akademischen Umfeld als überholt galt. Gegen solche Vorgaben setzte er eine entschiedene, unironische Bildsprache. Seine frühen Auseinandersetzungen mit barocken Heiligenbildern und mythologischen Figuren zeugen von einem Blick, der keine Hierarchie zwischen religiöser Überlieferung, Kindheitserinnerung und populärer Bildwelt kannte.
Er wusste um die Tradition: Tintoretto, Matisse, Goya, Cézanne und die Frage nach dem Licht standen als ferne, anspruchsvolle Gesprächspartner im Raum. Doch David Barbarino suchte keine kunsthistorische Absicherung. Er prüfte seine Bilder in der Natur, auf Bergen, im Schnee oder am Meer – dort, wo sich zeigen musste, ob ein gemaltes Bild neben der überwältigenden Gegenwart der Welt bestehen kann.
Unter dem Namen Tony Stella erreichte er ein anderes Publikum. Seine Filmplakate waren eigenständige Bilder: konzentriert, poetisch und geprägt von einer besonderen Aufmerksamkeit für Figur, Stimmung und Bewegung. Filmgeschichte wurde bei ihm nicht reproduziert, sondern neu gesehen. Seine Plakatkunst bewahrte die Aura des Kinos, ohne sich dem Nostalgischen hinzugeben.
David Barbarino konnte mit großer Entschiedenheit für sein Werk eintreten. Diese Kraft war spürbar – im Gespräch ebenso wie in der Malerei. Seine Bilder tragen die Spuren eines intensiven inneren und äußeren Kampfes: das wiederholte Ansetzen, Verwerfen, Verdichten; den Glauben daran, dass ein Bild am Ende mehr sein kann als seine materielle Oberfläche.
Sein Werk bleibt als Einladung, genauer hinzusehen. Es erinnert daran, dass Licht nicht nur Sichtbarkeit schafft, sondern auch Geheimnis; dass Malerei ein Wagnis bleibt; und dass ein Bild, wenn es gelingt, den Raum über sich hinaus öffnen kann.
Die Gruppenausstellung ‚ Fast eine Tonne. Atemraum‘ erforscht das Atmen als Ursprung und Grenze des Daseins durch künstlerische Setzungen. Jedes Einatmen ist ein Beginn, jedes Ausatmen ein Loslassen. Ausgewählte künstlerische Setzungen machen diesen unsichtbaren Prozess auf unterschiedliche Weise erfahrbar.
Benjamin Zuber
(*1982 in Bamberg) studierte bis 2012 an den Kunstakademien in Nürnberg und Wien und lebt seit 2014 in Berlin. In seinen vielfältigen Installationen erprobt er immer wieder neue intermediale Formate und eignet sich neue Materialfelder und Verarbeitungstechniken an. Dabei eröffnen seine Arbeiten oft gesellschaftlich relevante Fragen aus einer dezidiert subjektiven Perspektive – und verhandeln gerade aus diesem dialektischen Verhältnis heraus die Grenzen eines individuellen Blickfeldes auf die Welt. Seine Arbeiten waren zuletzt unter anderem im Neuen Museum Nürnberg, im Neuen Kunstverein Aschaffenburg, im Museum Penzberg und in der Pinakothek der Moderne München zu sehen. Zu seinen Auszeichnungen zählen das INITIAL-Stipendium der Akademie der Künste, die Sonderförderung Neustart Kultur der Stiftung Kunstfonds und der Bayerische Staatsförderpreis.
„Meine intermedialen Arbeiten entstehen in einem performativen Prozess von Konstruktion und Dekonstruktion. Dabei suche ich nach Formen, die diesen Prozess abbilden und interessiere mich besonders für die Nicht-Wiederholbarkeit eines ersten Versuchs – den Moment also, in dem Idee und Material erstmals aufeinandertreffen. Ausgelöst von einem Arbeitsunfall und weiter sensibilisiert durch die Pandemie habe ich mich inhaltlich einige Jahre primär mit der Fragilität körperlicher Unversehrtheit und dem schöpferischen Potential physischer Verletzung auseinandergesetzt. Auch in meinen jüngeren Arbeiten knüpfe ich an diese Formensprache an, der inhaltliche Fokus hat sich in Reaktion auf die eskalierenden globalen Krisen allerdings verschoben: vom versehrten Körper auf ein versehrtes System.“
Afra Dopfer
(*1962 in Starnberg) Nach einer Holzbildhauerlehre und Tätigkeit als Theaterplastikerin, studierte sie Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste München bei Leo Kornbrust und Cristina Iglesias am ‚Lehrstuhl für Bildhauerei in Verbindung mit Architektur‘. Sie arbeitet Multimedial und immer bezogen auf den architektonischen Raum. Ihre Kunst am Bau Projekte und ihre freien Arbeiten versteht sie als sich ergänzende Komponenten im Werk, genauso wie ihre Bewegungsarbeit (bei Amos Hetz) und die Lehre (Architekturfakultät Hochschule München). Zunehmend bezieht sie auch das Verhältnis des Körpers zum Raum und der Bewegung darin, ein. Sie lebt und arbeitet in München
„Als Bildhauerin beobachte ich Beziehungen zwischen Körper, Raum und Bewegung, die Formen und die Schönheit, die aus dieser Beziehung ergeben. Mich interessiert das Naheliegende, Offensichtliche und Alltägliche. Ich verwende einfache Materialien und Gegenstände, wie Papier, Luftballons, Stecknadeln, Stoff, die ich aus ihrem Kontext löse, anders verwende, abstrahiere. Der Einsatz unterschiedlicher Medien ist dabei ein wichtiger Faktor im Arbeitsprozess.“
Susanne Wagner
Susanne Wagner (*1977 in München) lebt und arbeitet in München. Nach Bildhauereistudien an der Akademie der Bildenden Künste in München und Wien, war sie von 2005 – 2011 Assistentin von Prof. Hermann Pitz an der Akademie der Bildenden Künste München. In ihren Videoarbeiten und bildhauerischen Arbeiten setzt sie sich mit der Rolle der Frau in der Gesellschaft auseinander. Ihre Videoarbeiten wurden unter anderem innerhalb der Ausstellung „Body Media 2“ in der Powerstation of Art, Shanghai sowie in der Ausstellung Dimensions“ in den Pittlerwerken in Leipzig gezeigt. Sie erhielt den bayerischen Kunstförderpreis sowie den Kunstpreis der Bayerischen Akademie der schönen Künste München. Neben ihren freien künstlerischen Arbeiten realisiert sie seit 2013 bildhauerische Arbeiten in sakralen Räumen.
„Die Rolle der Frau und ihre Stellung in der Gesellschaft beschäftigt mich seit Beginn meiner künstlerischen Arbeit. Bildliche Werkzeuge von Frauenrechtsdemonstrationen – wie nackte Brüste, Zerplatzte Tomaten oder rote schreiende Münder – sollen auf Missstände bezüglich der Gleichberechtigung der Geschlechter aufmerksam machen. Diese plakativen Bilder verarbeite ich in meinen bildhauerischen und medialen Arbeiten.“
Susanne Wagner eignet sich in einem performativen Akt das ‚Hot Lips‘-Logo von The Rolling Stones an. Unter einem lebensgroßen Papier kauernd entfaltet sie durch die Streckung ihres Körpers ein gemaltes Bild: Sichtbar wird ein gemalter Mund, dem ein Ausatmen, ein ‚Ahh‘, entweicht. Das 1970 entworfene Logo bezog sich ursprünglich auf die indische Göttin Kali, die für weibliche Energie, Tod und radikale Erneuerung steht – ein Bild, das von der Künstlerin aufgegriffen wird, da der weibliche Schrei auch für die Proteste der Frauen auf der Welt steht, die für ihre Rechte auf die Straßen gehen.
Daiki Kimoto
Daiki Kimoto (2000 in Osaka, Japan) lebt und arbeitet in München. Von 2022 bis 2025 studierte er an der Muthesius Kunsthochschule Kiel bei Andreas Greiner, seit 2025 setzt er sein Studium an der Akademie der Bildenden Künste München bei Alexandra Pirici fort. In seinen Arbeiten – insbesondere in Performance und Malerei – untersucht er anhand von Informationssystemen im Internet und persönlicher Erinnerung grundlegende Fragen nach dem Wesen der Zeit und der Konstruktion von Erinnerung. Ein zentrales Merkmal seiner Praxis ist die Fokussierung auf den Akt des Linienziehens selbst: Eine einzelne Linie fungiert sowohl als Spur einer andauernden körperlichen Handlung als auch als Metapher für die Akkumulation von Daten und Erinnerung. In jüngerer Zeit zeigte er eine Einzelausstellung in der Kunststation Sankt Peter (Köln, 2023) und war unter anderem an einer Duo-Ausstellung im the pool | Kunst- und Ausstellungsraum (Düsseldorf, 2025) sowie an einer Gruppenausstellung in der Neuen Nationalgalerie (Berlin, 2025) beteiligt.
„Ich untersuche den Fluss der Zeit und die Entstehung von Erinnerung im Verhältnis zwischen körperlicher Handlung und der Akkumulation von Information. Der Akt des Linienziehens stellt dabei eine Spur gelebter Dauer dar und fungiert zugleich als Symbol für die Ansammlung von Daten und Erinnerung. In meinen Performances integriere ich Eingriffe und Entscheidungen anderer, wodurch sich individuelle Handlungen überlagern und vielschichtige Zeitschichten entstehen. Durch diese Prozesse versuche ich, die Beziehungen zwischen Individuum und Kollektiv sowie zwischen Erinnerung und System sichtbar zu machen.“
Sara Mayoral Jimenez
Sara Mayoral Jiménez (*1993 in Madrid) lebt und arbeitet in München. Sie studierte Bildende Kunst an der Universidad Complutense in Madrid und an der Akademie der Bildenden Künste in München, wo sie 2025 in der Klasse von Alexandra Pirici mit Auszeichnung abschloss.
In ihrer künstlerischen Praxis untersucht sie Prozesse der Transformation, Vergänglichkeitund Erinnerung. Unter Verwendung von Ton, organischen Materialien, Video und fermentationsbasierten Techniken entwickelt sie Installationen, die zu Langsamkeit, Intimität und Achtsamkeit einladen und oft aus alltäglichen Gesten, überliefertem Wissen und persönlichen Landschaften entstehen.Ihre Arbeiten wurde kürzlich für den Preis PERSPEKTIVEN 2026 München nominiert, und ihre Werke wurden unter anderem im Galerie der Künstler, Kunstverein München und im Rahmen der Ausstellungsreihe Varios Others mit dem Projekt Zimmer frei im Hotel Mariandl ausgestellt.
„Mich interessiert, wie Sterblichkeit als transformierende Kraft wirkt. In meiner Arbeit verwende ich Materialien und Verfahren, die sich verändern, zersetzen und zeitlichen Prozessen unterliegen. Oft arbeite ich mit Praktiken wie Sammeln, Fermentieren oder Konservieren, alltäglichen Handlungen, die zwischen Pflege, Ritual und traditionellem Wissen angesiedelt sind. Mich interessiert, dass meine Werke Räume der Aufmerksamkeit bieten, in denen die fragilen Beziehungen zwischen Körper, Materie und Zeit sichtbar werden.“
Christoph Lammers
Christoph Lammers (*1969, Heidelberg) lebt und arbeitet in München. Er studierte an der Akademie der Bildenden Künste München. Er ist Zeichner und Performancekünstler. Der menschliche Körper und der Klang der Linie auf Papier und im Raum sind seine Forschungsfelder. Er schöpft aus der Natur und verlässt zeichnerisch immer wieder sicheres Terrain.
Seit 2011 zeichnet er live in kollaborativen Dialogen bei Performances mit Musikern, Tänzern, Schauspielern … . Projektförderung des Kulturreferats München erhielt er für das inklusive Performanceprojekt ‚Herz Raum‘. Auf der Suche nach der Kraft reiste er in die Stadsgalerij Breda in Holland, ins mexikanische Hochland und an den Kochelsee. Seine Arbeiten und Performances waren unter anderem zu sehen beim CARPA Festival Helsinki, Middlesex University London, Michaeliskirche Erfurt, Städt. Galerie Rosenheim, Karolinenkirche, STENT Festival Augsburg, Staatl. Museum Ägyptische Kunst München.
„Es ist ein Abenteuer zusammen eine Bühne zu betreten.“
Jin Lee
Jin Lee (1993, Südkorea) ist Performerin und Choreografin und arbeitet in München und Seoul. Ihre Tanzausbildung begann sie 2012 an der Dongduk Women’s University in Seoul, die sie 2016 mit Auszeichnung abschloss. Von 2017 bis 2019 studierte sie am SEAD – Salzburg Experimental Academy of Dance – in Österreich und vertiefte dort ihre künstlerische Praxis in der Zusammenarbeit mit internationalen Lehrenden und Choreografinnen. Als Performerin arbeitete sie unter anderem mit Milla Koistinen, Ceren Oran, Anna Konjetzky, Leonard Engel, Rosana Ribeiro, Georges Maikel, Django Bates, Jasmine Ellis, Natalia Castaneira, Pilgyun Jeong, Eulalia Ayguadé Farro, Ingri Fiksdal und Julyen Hamilton. Sie ist Co-künstlerische Leiterin des Performancekollektivs ZINADA.
„Meine künstlerische Praxis verhandelt durch Tanz Fragen von Empathie, menschlicher Verbundenheit und Zusammenleben. Anstelle einer festen Methode folgt jedes Projekt einem eigenständigen, offenen Entwicklungsprozess, der sich aus Recherche und dem Austausch mit unterschiedlichen Perspektiven und Gemeinschaften speist. In meinen choreografischen Arbeiten entstehen Räume, in denen individuelle Geschichten und kollektive Emotionen in Resonanz treten.“
Alexander Gerner
Alexander Gerner (*1971 in Schwäbisch Gmünd) lebt und arbeitet als Hydrologe und Musiker in München. Seine aktive Auseinandersetzung mit improvisierter Musik und genreübergreifender Improvisation begann 1998 in Dresden im Umfeld des Blaue Fabrik e.V. Von 2003 bis 2007 war er Mitglied des sächsischen Improvisationsensembles S.I.E. 2009 begleitete er im Rahmen von „Hellerau 100“ eine Lichtinstallation von Heike Herzog. An diese Erfahrungen knüpft er seit Herbst 2024 mit Akteur*innen der Münchner und Salzburger Szene an. Zusammen mit Jin Lee (Tanz) gestaltete er 2025 im DG_Kunstraum die Finissage zur Ausstellung ‚Ressource, Research, Reset‘.
„Von klein auf mache ich Musik in unterschiedlichsten Besetzungen. Mit Mitte 20 entdeckte ich die Improvisation als Weg, mit mir selbst ins Gespräch zu kommen. Bald folgte die Gruppenimprovisation – erst rein musikalisch, dann auch genreübergreifend in Verbindung mit Tanz oder Lichtinstallationen. Neuerdings musiziere ich auch mit Menschen mit Demenz, was ich als bereichernd für alle Beteiligten empfinde.
Mein Motto: Musik ist Begegnung.“
Carsten Fock
Carsten Fock (1968) lebt und arbeitet in Bamberg und Wien. Im Zentrum seines künstlerischen Werks steht die kritische Auseinandersetzung mit der deutschen Landschaftsmalerei. Über viele Jahre hinweg untersuchte er in Gemälden und Malereiinstallationen dieses traditionsreiche Sujet als historisch und ideologisch aufgeladenes Bildfeld. Ausgangspunkt seiner Arbeit ist die Frage, inwiefern Landschaftsdarstellungen Projektionsflächen gesellschaftlicher und politischer Vorstellungen sind. Landschaft erscheint dabei daher weniger als Naturdarstellung denn als kulturell geprägter Raum, in dem sich Geschichte, Machtverhältnisse und kollektive Erinnerung einschreiben. Fock verbindet diese Reflexionen mit biografischen, malerischen und gesellschaftspolitischen Fragestellungen. Seine jüngeren Arbeiten bewegen sich zunehmend an der Schnittstelle von Zeichnung und Malerei und richten den Blick stärker auf Wahrnehmung, Atmosphäre und die elementaren Bedingungen des Bildes selbst. Seine Arbeiten wurden unter anderem im Frankfurter Kunstverein, im Museum für Moderne Kunst Frankfurt, im Museum Städtische Galerie Wolfsburg, sowie in der Bundeskunsthalle Bonn gezeigt. Ebenfalls war er bereits mit einer Einzelausstellung im DG Kunstraum Diskurs Gegenwart München zu sehen.
„Meine künstlerische Praxis entwickelte sich aus der Auseinandersetzung mit Malerei und Zeichnung als offenen, prozessualen Medien. Über viele Jahre hinweg beschäftigte ich mich mit der deutschen Landschaftsmalerei als historisch und ideologisch aufgeladenem Bildraum, in dem sich Fragen von Geschichte, Identität und Macht spiegeln. Landschaft erscheint in meinen Arbeiten daher weniger als Naturdarstellung denn als kulturelle Konstruktion und Projektionsfläche politischer Narrative.
Seit einem Werkzyklus gegenstandsloser Papierarbeiten, der 2020/21 im dänischen Vejby entstand, hat sich meine Arbeit zunehmend von motivischen Bezügen gelöst und auf elementare Wahrnehmungen von Licht, Farbe und Atmosphäre konzentriert. Malerei verstehe ich dabei als offenen Denkraum, in dem sich historische, politische und persönliche Dimensionen miteinander verschränken.“
Jana Jirkova
Janna Jirkova, *1991, studierte von 2012 bis 2019 Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste in München bei Olaf Nicolai. Sie erhielt mehrere Stipendien, darunter das Projektstipendium für junge Kunst/Neue Medien der Stadt München, das BBK Bayern-Debütantenstipendium, ein Stipendium der Stiftung Kunstfonds, das Atelierstipendium des Bayerischen Staatsministeriums, das Projektstipendium der Erwin und Gisela von Steiner-Stiftung, außerdem letzes und dieses Jahr das Projektstipendium im Rahmen von Verbindungslinien. Sie hat an zahlreichen Gruppenausstellungen teilgenommen, unter anderem in der Galerie Britta von Rettberg, im Kunstverein Ebersberg, in der Orangerie München, im Museo della Carta in Italien, in den Kunstarkaden München und bei MeMeraki in Limassol, Zypern. Außerdem hatte sie Einzelausstellungen in der Galerie der Künstler*innen München, in der Lothringer Halle13 in München und im MaximiliansForum München.
„Ausgangspunkt in meiner künstlerischer Praxis ist das Zusammenspiel von Körpern, Individuen und ihrer Umgebung sowie deren mediale und technische Konstruktion. Dabei verstehe ich Körper und Identität nicht als feststehende Größen, sondern als etwas, das kontinuierlich durch Reprasentation, Projektion und technologische Rahmung geformt wird. Die Materialien tragen meist direkte Spuren des Körpers, oder verweisen auf ihn, und werden kombiniert mit technischen Elementen wie Kabeln, Bildschirmen und Soundsystemen, sowie Elementen aus der Umwelt. Damit möchte ich einen Raum zur Reflexion über unsere Wahrnehmung von Natürlichkeit und Künstlichkeit aufmachen, in dem dazu angeregt wird die Grenzen zwischen Körper, Umwelt und Identität zu hinterfragen“
Der DG Kunstraum zeigt die Gruppenausstellung „Fast eine Tonne: Atemraum“ vom 19. Juni bis 13. August 2026 in der Finkenstraße 4 in München.
Abb. 1: Benjamin Zuber, Foto: Daniel Kiss Abb. 2–3: „We are the Storm“, 2026, Benjamin Zuber, Foto: Gerald von Foris Abb. 4: Afra Dopfer, Foto: Afra Dopfer Abb. 5–6: „fiato umano“, partizipative Installation, Afra Dopfer, Ausstellungsansichten, Foto: Gerald von Foris Abb. 7–8: „Breeze“, Videoarbeit, Afra Dopfer, Videostills: Afra Dopfer Abb. 9–10: „Ahh“, Videoarbeit, 2026, Susanne Wagner, Videostills: Susanne Wagner Abb. 11: Daiki Kimoto, Foto: Daiki Kimoto Abb. 12–14: „Atem“, Installation, 2026, Daiki Kimoto, Ausstellungsansichten, Foto: Gerald von Foris Abb. 15: Sara M. Jimenez, Foto: Thomas Dashuber Abb. 16–17: „Ora“, Ausstellungsansichten, DG Kunstraum Diskurs Gegenwart, 2026, Foto: Gerald von Foris Abb. 18: Christoph Lammers, Foto: Eric Pankow Abb. 19: „Becoming“, Ausstellungsansicht, DG Kunstraum Diskurs Gegenwart, 2026, Zusammenarbeit von Alexander Gerner, Jin Lee und Christoph Lammers, Foto: Fiona Pinnow Abb. 20: Jin Lee, Foto: Drago Videmšek Abb. 21–22: „Becoming“, Videoarbeit und Performance, 2026, Zusammenarbeit von Alexander Gerner, Jin Lee und Christoph Lammers, Foto: Benita Meißner Abb. 23: Alexander Gerner, Foto: Jago Schulan Abb. 24: „Becoming“, Videoarbeit und Performance, 2026, Zusammenarbeit von Alexander Gerner, Jin Lee und Christoph Lammers Abb. 25: Carsten Fock, Foto: Neven Alleiner Abb. 26: „Ohne Titel [Holløselund, nach Cranach dem Älteren]“, 2026, Carsten Fock, Foto: Gerald von Foris Abb. 27: Jana jirkova, Foto: Ekaterina Skerleva Abb. 28: „Pulmonate“, 2022, Foto: Gerald von Foris Abb. 29: Fungal Breath“, 2025, Foto: Gerald von Foris
Ob Klang, Bewegung oder Zeichnung – der Atemrhythmus und der Takt des Geschehens sind stets eng miteinander verwoben. Vor dem Hintergrund experimentieren Jin Lee, Alexander Gerner und Christoph Lammers damit, wie sie sich gegenseitig durch ihre Atmung beeinflussen, Rhythmen neu gestalten und sich im Raum begegnen. Der Atem, der uns ein Leben lang begleitet, vom ersten Atemzug bei der Geburt bis zum letzten Seufzer. Der Rhythmus ist und uns mit allem und allen verbindet. Es ist ein Spiel zwischen den Akteuren, das von Spontanität, Intuition, Vertrauen in dem Moment geprägt ist. Die Performance ‚Becoming‘ wurde in der Vorbereitung der Ausstellung aufgezeichnet und ist als Videoarbeit zu sehen.
Vid. : Dokumentation der Performance „becoming“ im Rahmen der Eröffnung von „Fast eine Tonne: Atemraum“ im DG Kunstraum, Performer: Alexander Gerner, Christoph Lammer, Jin Lee. Video: Oliver Tataru
Wir freuen uns sehr, dass Dr. Katharina Seifert, Mitglied im Gesamtvorstand der Deutschen Gesellschaft für christliche Kunst, zur neuen Sprecherin der Konferenz der deutschsprachigen Kunstpastoral und Künstlerseelsorge gewählt wurde.
Die Wahl fand im Rahmen der diesjährigen Konferenz in Regensburg statt. In ihrer neuen Funktion wird Dr. Katharina Seifert die Zusammenarbeit und den Austausch zwischen den deutschsprachigen Einrichtungen der Kunstpastoral und Künstlerseelsorge begleiten und vertreten.
Wir gratulieren ihr herzlich zu dieser neuen Aufgabe und wünschen ihr dafür viel Erfolg und Freude.
Abb. 1: Innenansicht DG Kunstraum, Foto: Regina Recht
Ausstellung von Fr, 18. September bis Do, 12. November 2026 Eröffnung Do, 17. September 2026
Die Ausstellung ‚Erdanziehung‘ bringt zwei künstlerische Positionen zusammen, die Schwerkraft als poetische wie physikalische Kraft verhandeln. Lukas Kindermann arbeitet an der Schnittstelle von Kunst, Technologie und Natur und nutzt 3D-Duplikate, maschinelle Zeichnungen, Video und installative Setzungen, um scheinbar stabile Ordnungen ins Schweben zu bringen. In Vitrinen verknüpft der Künstler Archivalien sowie künstlerische Werke und schafft ein ungewöhnliches Narrativ.
Judith Neunhäuserer legt naturwissenschaftliche Ansätze und mythische Anteile unterschiedlicher historischer Kosmologien frei und arbeitet medienübergreifend mit Installation, Video, Zeichnung und Text. Ausgehend von Erdgeschichte, Expeditionen und geologischen Spuren fragt sie nach der Verletzlichkeit des Planeten und der zeitlichen Tiefe des Bodens, auf dem wir stehen.
In ‚Erdanziehung‘ begegnen sich Kindermanns spekulative Bildräume und Neunhäuserers forschende Materialstudien als dialogische Versuchsanordnung: Zwischen Fall und Schwebe, Gewicht und Leere, Vermessung und Fiktion entsteht ein Raum, in dem Schwerkraft als existenzielles Erfahrungsfeld neu verhandelt wird.
Programm Eröffnung Donnerstag, 17. September 2026, 18 bis 21 Uhr 19:30 Uhr Begrüßung und Einführung Dr. Ulrich Schäfert, Vorstand DG Benita Meißner, Kuratorin
Digital Art Space Eröffnung Do, 17. September 2026, 18 bis 21 Uhr 18:30 Uhr Begrüßung und Einführung Dr. Karin Wimmer
Ausstellungsrundgang Dienstag, 6. Oktober 2026, 19 Uhr Dienstag, 20. Oktober 2026, 19 Uhr
Open Art Munich 16. bis 18. Oktober 2026
Wissenschaft und Kunst im Dialog mit Dr. Patrick Stoffel, Leuphana Universität Lüneburg Studium der Literaturwissenschaften und Philosophie in Bochum, Bonn, Paris und Florenz. Wissenschaftlicher Mitarbeiter im Projekt ‚Urzeit und Umwelt‘ an der Universität Lüneburg Freitag, 16. Oktober 2026, 19 Uhr
Lange Nacht der Museen Samstag, den 17. Oktober 2026, von 18 bis 1 Uhr
Gespräch mit den Künstler*innen Mittwoch, 28. Oktober 18 Uhr mit Gang zum Digital Art Space
Finissage mit Musik Donnerstag, 17. September 2026
Ort: Deutsche Gesellschaft für christliche Kunst e.V., Finkenstraße 4, 80333 München
Der DG Kunstraum lädt herzlich zur Finissage von ‚Fast eine Tonne: Atemraum‘ ein. Bei kühlen Getränken und Musik lassen wir die vergangenen Ausstellungswochen gemeinsam ausklingen.
Die Ausstellung ‚Fast eine Tonne: Atemraum‘ widmete sich dem Atmen als Ursprung und Grenze des Daseins. Unterschiedliche künstlerische Positionen setzten sich mit Luft, Atem und körperlicher Wahrnehmung auseinander und machten diesen meist unsichtbaren Prozess auf vielfältige Weise erfahrbar.
‚AUS-ATEM‘ Zum Abschluss der Ausstellung präsentiert Wolfrik Fischer eine besondere Klangperformance, die das Atmen – insbesondere das Ausatmen – in den Mittelpunkt stellt. Der interdisziplinäre Künstler arbeitet seit mehr als drei Jahrzehnten im multimedialen Bereich und ist stets auf der Suche nach neuen Perspektiven. Er entwickelt ein musikalisches Ritual des Übergangs: Während das Einatmen den Auftakt der Ausstellung markierte und den Beginn eines Zyklus symbolisierte, wird das Ausatmen nun zum Moment des Loslassens – all dessen, was sich im Verlauf der vergangenen Wochen angesammelt hat.
Ausatmen lässt Altes zurück und schafft Raum für Neues – ohne Ausatmen ist kein weiteres Einatmen möglich. Die Besucher*innen der Finissage sind eingeladen, sich zu Beginn des Stückes aktiv zu beteiligen und gemeinsam mit Wolfrik Fischer den Atem als gemeinsames Medium der Erfahrung zu erkunden.
Ort: DG Kunstraum Diskurs Gegenwart, Deutsche Gesellschaft für christliche Kunst e.V., Finkenstraße 4, 80333 München
Abb. Ausstellungsansicht: ‚Fast eine Tonne: Atemraum‘ Abb. Kachel: Stefan Ehrlich, 2021
Künstler*innen Afra Dopfer Carsten Fock Alexander Gerner Janna Jirkova Sara Mayoral Jimenez Daiki Kimoto Christoph Lammers Jin Lee Susanne Wagner Benjamin Zuber
Lesung Eva-Maria Braun
Die Gruppenausstellung ‚ Fast eine Tonne. Atemraum‘ erforscht das Atmen als Ursprung und Grenze des Daseins durch künstlerische Setzungen. Jedes Einatmen ist ein Beginn, jedes Ausatmen ein Loslassen. Zeitgenössische Künstler*innen aus Bayern machen diesen unsichtbaren Prozess auf unterschiedliche Weise erfahrbar. Der Atem wird zum Denkraum, in dem Körper und Welt, Innen und Außen, Ich und Anderes unaufhörlich ineinander übergehen. Der Atem ist ein ewig währendes Symbol für Geist und Seele. Die antiken Götter machten damit Pygmalions Skulptur Galathea lebendig, auch in der Schöpfungsgeschichte hat Gott dem Menschen den Odem des Lebens eingehaucht, aber auch Buddha nutzte den Atem, um durch Meditation Erleuchtung zu erlangen. Atem ist auch eine Metapher für Vergänglichkeit, Leben und Tod – denn er kann erlöschen. Aber wie kann so etwas Flüchtiges, Feinmaterielles dargestellt werden?
Luft ist existenziell für alles Lebendige auf der Welt. Sie ist überall, dabei unsichtbar und flüchtig, buchstäblich nicht zu begreifen. Die Darstellung von Luft gehört spätestens seit der Renaissance zu den künstlerischen Herausforderungen. Ihr stellte sich besonders die Malerei. Luft als Werkstoff hingegen ist ein relativ junges Phänomen in der Kunst. Seit der Moderne streben Künstlerinnen die künstlerische Aneignung der Welt wie auch ihre Entgrenzung und Transformation an. Es erscheint deshalb nur folgerichtig, dass sie sich der Luft nicht nur als Idee, sondern auch als Material zuwandten. Luft wird nicht mehr nur als Wind, Wolken, Nebel, Dampf, Rauch oder Atem abgebildet, sondern bewusst als Medium eingesetzt.
Die Ausstellung Fast eine Tonne. Atemraum wird von einem Begleitprogramm flankiert, das neben Einblicken in Atemmeditation und Bewegung auch den medizinischen Aspekt des ‚richtigen Atmens vorstellen wird. Das Team des DG Kunstraums lädt zu einem buchbaren Kinderworkshop ein und thematischen Führungen durch die Ausstellung.
Programm
Eröffnung Donnerstag, 18. Juni 2026, 18 bis 21 Uhr 19 Uhr Performance ‚Becoming‘ Alexander Gerner, Christoph Lammers, Jin Lee 19:30 Uhr Begrüßung und Einführung Dr. Uli Schäfert, Vorstand DG Benita Meißner, Kuratorin
Atemmeditation Kurt Horz, Anmeldung unter info@dg-kunstraum.de Freitag, 3./10./17. Juli 2026, 8:30 bis 10 Uhr
Wissenschaft und Kunst im Dialog PD Dr. Hendrik Müller Mi. 24. Juni 2026, 19 Uhr
DG Kunstpreis Verleihung an Susanne Wagner Dienstag, 7. Juli 2026, 19 Uhr
Lesung und Aperó Eva-Maria Braun Samstag, 11. Juli 2026, 18 Uhr
Ausstellungsführung Dienstag, 22. Juli 2026, 19 Uhr Dienstag, 4. August 2026, 19 Uhr
Finissage mit Musik Donnerstag, 13. August 2026, 19 Uhr
Ort: DG Kunstraum Diskurs Gegenwart Deutsche Gesellschaft für christliche Kunst e.V. Finkenstraße 4 80333 München
Öffnungszeiten: Di. bis Fr. 12 bis 18 Uhr
Weitere Informationen finden Sie unter www.dg-kunstraum.de. Bitte kontaktieren Sie uns bei Nachfragen zu Text- oder Bildmaterial telefonisch unter +49 89 282548 oder per E‑Mail unter presse@dg-kunstraum.de
Abb.1–8.: Ausstellungsansicht ‚Fast eine Tonne‘, DG Kunstraum 2026, Fotos: Gerald von Foris
Im Rahmen der Veranstaltung ‚Zeigt euch eure Wunde. Debatten um die Kunstfreiheit‘ im Januar 2026 berichten Gäste aus Kunst, Wissenschaft, Politik und Kulturförderung von ihren beruflichen und persönlichen Erfahrungen mit der Kunstfreiheit.
Im ersten von zwei Podien kamen der Kunsthistoriker Dr. Wolfgang Ullrich, die Künstlerinnen Angela Stiegler und Cana Bilir-Meier sowie der Rechtswissenschaftler Prof. Dr. Christoph Möllers miteinander ins Gespräch.
Im zweiten von zwei Podien trafen die Künstlerin Melisa Kujević, Ralf Homann, Mitglied des Vorstands des Deutschen Künstlerbundes sowie der Münchner Stadtrat David Süß aufeinander.
Durch den gesamten Nachmittag führte Moritz Holfelder, Kulturjournalist, Autor und langjähriger Radioredakteur
Veranstaltet von der Deutschen Gesellschaft für christliche Kunst e.V. und dem BBK München und Oberbayern am 31. Januar 2026 in der Galerie der Künstler*innen in München.
Wir erleben eine Zeit, die gleichzeitig müde und aufgewühlt ist. Zwischen Krisen und Neubeginn, zwischen Rückblick und dem Drang nach vorn stellt sich eine einfache, aber grundlegende Frage:
Wie wollen wir leben?
Die Ausstellungen 2026 im DG Kunstraum verbinden unterschiedliche künstlerische Positionen durch ein gemeinsames Nachdenken über Verantwortung, Fürsorge und Widerstandskraft. Sie fragen, wie Heilung aussehen kann und untersuchen, was wir dem Zerstörerischen entgegensetzen können.
Es geht nicht um große Parolen, sondern um kleine Verschiebungen: Care statt Kontrolle, Wertschätzung statt bloßer Bewertung, Verbundenheit statt Verwertung. Fragmente der Hoffnung meint nicht fertige Lösungen. Es meint Versuche und Skizzen eines neuen Miteinanders.
Im Taumel der Gegenwart halten wir inne und suchen nach Formen von Zukunft.
